Elmore James, el Rey Slide

Este imponente artista americano nacido en Richland (Condado de Holmes, Mississippi) es considerado el padre de la Slide Guitar y uno de los grandes maestros del mejor blues, ese que golpea directamente en los huesos y en el alma. Puro encanto y habilidad, sólo es cuestión de escuchar a conciencia algunas de sus piezas grabadas en los años '50. Elmore, El más grande.

James (también conocido bajo el apodo de Joe Willie) nació en enero de 1918 y pasó una vida dura y complicada, tal cual le sucedió a la gran mayoría de los de su especie. Fue el hijo ilegítimo de Leola Brooks (lo tuvo a los 15 años) y adoptó el apellido de su padrastro. Trabajó en una plantación, fue disc-jockey y estuvo en el Ejército entre 1943 y 1945, aunque tal vez él sabía como nadie que el destino le guardaba algo mucho más interesante. Un experiencia religiosa llamada blues.

Dicen que tres hombres fueron muy importantes en su existencia artística y personal. El destacado blues-man Robert Johnson, de quien aprendió absolutamente todo lo que luego volcó en su carrera, Homesick James, su primo mayor y amigo incondicional, y el armonicista Sonny Boy Williamson, cuyo verdadero nombre era Alex "Rice" Miller.



Con éste último, James comenzó su trayectoria hasta 1951, año en el que consiguió su primer contrato discográfico. Poco después dejó su tierra natal y se mudó a Chicago, ciudad en la cual tocó junto a un grupo llamado "The Broomdusters". Su inimitable estilo se caracterizó por muy buenas dosis de técnica, agresividad y pasión. Cien por cien original y contundente. Y no sólo se destacaba como un brillante y talentoso guitarrista, sino que además era un líder innato, escribía sus propias letras y cantaba a la perfección, como si estuviera poseído por el demonio. Todo un elegido, de esos tocados por la varita mágica. Listen to what the man said...

Brian Jones, antes de saltar a la fama, se hacía llamar Elmo Lewis en homenaje al blusero norteamericano que tanto lo atrapó desde su juventud. Elmore fue uno de los pilares fundamentales en la educación musical de Jones, por lo que puede decirse que James fue clave en el surgimiento de los Rolling Stones teniendo en cuenta que el rubio guitarrista fue el fundador de la banda londinense. Tarde o temprano, las influencias aparecen y cobran vida.

La profunda e increíble música de Elmore también caló hondo en personajes como Jimmy Hendrix, Ry Cooder, Eric Clapton, Johnny Winter, John Mayall, George Thorogood, Stevie Ray Vaughan y Jeremy Spencer, de Fleetwood Mac, entre muchos otros. James fue incluso nombrado por Los Beatles en "For you blue", la canción que Harrison le dedicó a su mujer Pattie Boyd y que apareció en el disco Let it be, publicado en 1970. "Elmore James got nothing on this, baby", se escucha decir a George durante el solo de guitarra de John Lennon. Muy bien entendido.

Después de varias idas y vueltas, y de algunos éxitos en materia de ventas, Elmore James, adicto al alcohol, se encontraría con la muerte a los 45 años. En la madrugada del 24 de mayo de 1963, el músico padeció un ataque cardíaco en la casa de su primo y dejó de existir, al menos físicamente. Sus restos descansan en el cementerio de Durant, Mississippi. La última fotografía de James, la más cruel, lo muestra dentro de su ataúd poco antes de ser enterrado.

El portentoso moreno dejó para siempre canciones geniales y atemporales como "The sky is crying", "Rollin and Tumblin", "I'm worried", "Done somebody wrong", "I need you", "Fine little mamma", "It hurts me too", "The sun is shining", "Madison blues" y "Early one morning", además de unas cuantas versiones fantásticas de la sexual "Dust my broom", escrita por su admirado Robert Johnson en noviembre de 1936.

Sus melodías, su voz y su esencia todavía permanecen vivas e intactas y seguirán siendo una enorme influencia para las actuales y futuras generaciones amantes del blues, esa música marcada a fuego por el sufrimiento y el dolor.

"El cielo está llorando, ¿no puedes ver las lágrimas rodando por la calle?
Elmore James

Ramones: Lobotomía Adolescente

El cuarteto norteamericano dejó un legado muy importante en el mundo del rock and roll gracias a su inconfundible estilo minimalista, crudo y contundente. La banda nacida en Queens se caracterizó desde siempre por sus canciones cortas y rápidas, sus melodías pegadizas y sus letras simples, algunas de ellas carentes de sentido. Nada de insoportables solos de guitarra ni de temas complejos hasta el hartazgo. Déjenle la poesía a otros, la sencillez también es talento.

Los Ramones, surgidos en 1974, fueron uno de los grupos pioneros del punk-rock y se formaron en un barrio de clase media conocido como Forest Hills. Muchos los consideran los verdaderos líderes de la movida punk, que conmovió tanto a Estados Unidos como a Inglaterra en esos años '70. Influenciados por los increíbles sonidos de Los Beatles, Los Who, Los Kinks y Los Stooges, entre otros, la banda americana comenzó a hacerse notar rápidamente. One, two, three, four...

En sus inicios, los Ramones tocaban en un famoso local llamado CBGB que albergó a Patti Smith, Television, Blondie, Richard Hell, Johnny Thunders y Talking Heads. Los New York Dolls (algo así como los Rolling Stones americanos) también pertenecían a esa camada de potentes bandas punk que comenzaban a llamar la atención y fue uno de los grupos en los que se fijaron el cantante Jeffrey Hyman (Joey), el guitarrista John Cummings (Johnny), el bajista Douglas Colvin (Dee Dee) y el batero Thomas Erdélyi (Tommy), la primera formación ramonera.

La banda adoptó ese nombre luego de enterarse de que Paul McCartney se registraba como "Paul Ramone" en los hoteles por los cuales pasaba en sus días de Beatle.

En abril de 1976 apareció "Ramones", el excelente disco debut que contenía catorce canciones y que fue producido en base a un puñado de dólares. La duración del álbum no alcanzaba la media hora. Bien punk. "Blitzkrieg Bop","Beat on the Brat", "Judy is a Punk" y "Today your love, Tomorrow the world" eran algunos de esos extraños y atrapantes temas. Algo nuevo en el horizonte, un disco altamente recomendable.

Un mes después, tocaron junto a Dr Feelgood (una muy buena banda inglesa de ese momento vinculada al rhythm and blues) y el show fue visto por un famoso productor que les ofreció dar un concierto en el Roundhouse de Londres. Los Ramones llevaron toda su furia al Reino Unido y causaron sensación, sobre todo en bandas londinenses como The Clash y Sex Pistols.

En 1977 salieron "Leave home" y "Rocket to Russia", discos en los que el grupo continuó demostrando todo su potencial y en los cuales alternó sus clásicos sonidos primitivos con algunas melodías más lentas y acústicas. Varias de esas canciones eran "Oh I love her so", "I remember
you","Swallow my pride" y "Sheena is a punk rocker". En "Rockaway beach", "California sun" y "Surfin bird", se volcaron a la música surf y playera que tanto habían escuchado en su juventud a través de Los Beach Boys. Chau Tommy, hola Marky.



Poco después salió "Road to ruin", el cuarto trabajo discográfico del grupo. El gran éxito fue "I wanna be sedated", una canción muy divertida compuesta por Joey Ramone y que aún hoy sigue siendo uno de los clásicos ramoneros por excelencia. Otros buenos temas del disco fueron "Don't come close","Questioningly", "She's the one" y "Needles and pins", una hermosa balada escrita por Sonny Bono y Jack Nitzsche.

Como le sucedió a muchos, los '80 también significaron para los Ramones años de transición y conflictos. Phil Spector, ex-productor de los Beatles y de Tina Turner, trabajó en la producción de "End of the Century", lanzado en febrero de 1980. El álbum sonaba bastante más claro y
limpio en comparación con los anteriores e incluyó grandes canciones como "Rock and Roll Highschool" y "Do you remember Rock and Roll Radio?", en la que aparecía por primera vez un saxofón. Sin embargo, la banda no quedó conforme con el resultado obtenido y empezaron las discusiones (sobre todo entre Johnny y Joey), más algunos problemas relacionados con drogas y alcohol. Johnny Ramone explicó: "Nos llevábamos mal de cualquier modo. La situación no ayudó y no nos poníamos de acuerdo en nada. Simplemente éramos diferentes".

En 1981, fue lanzado "Pleasant Dreams", uno de los discos imprescindibles -y más famosos- de la banda. El mismo, de corte pop y comercial, fue certificado como álbum de oro en Argentina en el año 1993. Joey Ramone volvió a mostrar su costado nostálgico-romántico en "Don't go" y "She's a sensation" y tal cual aconteció en el trabajo previo, hubo teclados y buenas armonías vocales. "The KKK took my baby away" fue, es y será otra de sus obras cumbres. Luego vinieron discos menos interesantes, aunque de todas formas siempre se las arreglaron para colocar algunas canciones aceptables. "Subterranean Jungle", "Too tough to die", "Animal boy", "Halfway to sanity" y "Brain drain" dejaron más dudas que certezas, pero seguían siendo Los Ramones, pese a todo.

"Mondo bizarro" fue en 1992 una aplaudida vuelta al sonido ramonero de antaño que tantas satisfacciones había generado. Guiño a los Beach Boys en "Touring", homenaje a los Doors en "Take it as it comes" y un par de canciones emotivas como "It's gonna be alright" y "I wont' let it happen". Un excelente principio de despedida, fiel a ellos mismos. Poco después lanzarían "Acid eaters", lleno de versiones de viejos artistas como Bob Dylan, Los Stones y Creedence, y el telón final llegó en 1995 con "Adiós Amigos".

El grupo, muy querido y respetado en Argentina, pisó territorio nacional por primera vez en 1987 para dar un show en Obras Sanitarias ante casi 5.000 personas y en septiembre de 1994 sacudieron un poco la Avenida Constitución de Mar del Plata. También sonaron en la cancha de Vélez y en el Estadio Monumental de River ante una multitud.

La muerte se llevó en el Siglo XXI a Joey, a Dee Dee y a Johnny, aunque serán eternamente recordados y escuchados. Hey Ho, Let's Go, Los Ramones siempre van a ser esa banda perfecta para matar el aburrimiento y pasar un buen rato.

"Tanto musical como visualmente, estuvimos influenciados por los comics, Andy Warhol y el cine vanguardista". Tommy Ramone

AC/DC: Rock and Roll del Infierno

Nacidos en Escocia y exiliados en Australia cuando eran jóvenes, los hermanos Malcolm y Angus Young decidieron formar una banda a principios de los años '70 y el resultado fue abrumador, tal vez algo inesperado para ellos mismos. Por varios y sólidos motivos, AC/DC es uno de los grupos más grandes e importantes de la historia. Tuvieron que recorrer una larga ruta, pero en definitiva, en base a esfuerzo y sacrificio, lograron lo que querían. El infierno está encantador.

AC/DC es la abreviación inglesa de "alternating current/direct current", o sea la corriente alterna y continua de un dipositivo eléctrico que puede ser utilizado con ambos tipos de tensión. Atención, acá hay rock and roll. Sin embargo, ese nombre causó mucha controversia y le generó a los músicos varios problemas. Es también un término informal para referirse a la bisexualidad y más de un religioso lo interpretó como "Anti Christ/Devil's Child" (Anticristo/Niño del demonio). No es para tanto...

George Young, el hermano mayor de la familia originaria de Glasgow, fue clave en el nacimiento de la banda debido a la influencia musical que ejerció desde siempre sobre Malcolm y Angus. George fue el primero en aprender a tocar la guitarra e integró en la década del '60 un exitoso grupo australiano conocido como "The Easybeats".

AC/DC surgió en noviembre de 1973, aunque la formación cambió mucho en esa primera etapa, siendo varios los bajistas y bateristas que desfilaron por el seno del grupo sin convencer. A esa altura, Angus ya utilizaba su clásico uniforme escolar, el cual adoptó luego de un consejo de su hermana Margaret. El guitarrista había probado anteriormente con otros disfraces, entre ellos "Super-Ang", una risueña parodia a Superman. Todos sabían que algo se estaba formando. Faltaba un miembro, un nombre, la voz perfecta que encarnara toda esa filosofía rockera y liberal, simple pero poderosa. Una atractiva mezcla de humor, ironía y whiskie. Un tal Ronald Belford Scott.

La era Bon Scott (nacido en Escocia en 1946) arrancó en 1974, cuando Angus y Malcolm contaban con algunas composiciones instrumentales como para empezar a dar los primeros pasos en el durísimo ambiente de la música. Scott, quien tenía mucha experiencia como cantante, se encargaba de las letras y de aportarle a la banda lo que le faltaba respecto a la imagen dura que querían ofrecer, especialmente en los excitantes shows en vivo.

En enero de 1975, apareció "High Voltage", el primer single lanzado por AC/DC en territorio australiano. La maquinaria empezaba a funcionar a la perfección. Ese mismo año, editaron "It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)", otra verdadera bomba de tiempo que incluía gaitas escocesas, duros riffs de guitarra e impresionantes alaridos de Bon. Ese mismo año, el tema "Show Business" se convirtió en otro gran clásico por su atrapante melodía rocanrolera y por su mensaje, una buena crítica al lado hipócrita y comercial del mundo del espectáculo en el que estaban inmersos.

En esos años '70, AC/DC construyó quizás lo mejor de su extensa historia. "Dirty deeds done dirt cheap", "Let there be rock", "Powerage" y "Highway to hell" son algunos de los indestructibles discos creados por la banda que disfrutaba de un merecido éxito en aquellos momentos y que se encontraba además en su esplendor. Pero siempre puede aparecer alguna tragedia que empañe la alegría.

En 1980, Bon Scott falleció en Londres debido a una severa intoxicación etílica. El cuerpo del cantante fue trasladado en la mañana del 19 de febrero a una clínica de la capital inglesa, donde lo declararon muerto por abuso de alcohol. El día anterior, un íntimo amigo de Bon llamado Alistair Kinnear lo había llevado a descansar al interior de su auto luego de una de noche alocada en la que el músico bebió demasiado. Sería un triste final. Y un durísimo golpe para el resto del grupo, que decidió continuar luego de elaborar el respectivo duelo.



El reemplazante de Scott fue Brian Johnson, un muy buen cantante oriundo de Newcastle que llegó al grupo proveniente de un conjunto inglés llamado Geordie. Johnson se acopló naturalmente a los demás integrantes y fue esencial en el primer álbum de la banda lanzado en los '80, una década en la que AC/DC evidenció más bajas que altas. "Back in Black", lanzado en junio de 1980 y dedicado a la memoria de Bon Scott, vendió casi 50 millones de copias y fue una gran fiesta rocanrolera. Luego de tamaño suceso, la banda experimentaría malos momentos, sobre todo en lo que respecta a la composición y a la venta de discos. Un año después apareció "For Those About To Rock: We Salute You". Angus Young había leído un libro acerca de los emperadores romanos llamado "For Those About To Die, We Salute You (A aquellos que están por morir, saludamos) y cambió simplemente un verbo para titular al álbum, de escaso relieve artístico.

Luego vinieron otros trabajos que no dejaron mucho, como "Flick of the Switch" en 1983, "Fly on the Wall" dos años más tarde y "Who made Who" en 1986. Más de lo mismo, pero con el sello inconfundible de la banda británica. En 1988 se editó "Blow up your video" y cuando arrancaban los '90, AC/DC volvió a la cima con "The Razors Edge", en parte gracias a dos excelentes canciones tituladas "Thunderstruck" y "Moneytalks". Según comentaron algunos especialistas, "una buena lavada de cara". En 1995, la banda se volcó más al blues de raíz y eso fue reflejado en "Ballbreaker".

¿Nuevo siglo, nueva vida? En el año 2000, vio la luz "Stiff upper lip", de muy buenas doce canciones. Una de ellas, "Can´t stop rock and roll", lo dice todo, nada de vueltas. Tres años más tarde, la banda fue introducida en el Salón de la Fama del Rock junto a otras gigantescas leyendas del rubro. Y hay todavía mas. En octubre de 2008, luego de un largo período sin componer, regresaron al ruedo con "Black Ice", otro álbum disfrutable y plagado de las típicas melodías del dúo Young-Young y aún con un Johnson impecable desde lo vocal. Poco antes, compartieron un rato en directo con los Stones y degustaron un poco del blues de B.B.King sobre el escenario.

AC/DC nunca experimentó en cuestiones psicodélicas, conceptuales o políticas, ni es una banda que se haya sumergido en la profundidad lírica. Pero pudieron demostrar, a su manera, que el rock and roll no es contaminación sonora. Y nunca morirá.

"Tengo agujeros en mis dientes, en mis zapatos y en mis medias. No es divertido esperar a ser millonario" Bon Scott 1976

Voodoo Lounge: El Salón del Diablo

Luego de cinco años sin editar un trabajo de estudio -Steel Wheels había sido en 1989 el último- Los Stones le cerraron la boca a aquellos que los creían acabados y demostraron en 1994 que estaban más vivos que nunca. Saber reinventarse es toda una virtud.

Sin Bill Wyman, el bajista que estuvo con la banda durante 31 años y decidió alejarse en 1993, Jagger y compañía brindaron otra verdadera lección. El disco fue muy recibido por la gran mayoría (críticos, fans y demás hierbas) y reflejó de principio a fin lo que una banda enorme y talentosa puede ofrecer. El álbum trepó rápidamente al puesto número 1 de las listas en el Reino Unido, algo que no sucedía desde "Emotional Rescue" en 1980.

Una noche tormentosa, Keith Richards encontró en la calle una pequeña gata abandonada y la llevó al estudio donde estaban empezando a grabar. "Esta gata se llama Voodoo", dijo Keith, quien le dio albergue dentro de una sala donde el guitarrista solía moverse. Así nació el nombre del disco.

Mick y Keith, reconciliados, crearon en aquella oportunidad quince canciones de las buenas, hermosas melodías y varias letras impecables. Si bien es cierto que no llega a alcanzar la maestría stone de los '70 lograda en "Sticky Fingers" o en "Exile on Main Street", el disco, bastante variado respecto a sus sonidos, es totalmente disfrutable y de a ratos emociona.

"Las baladas son bastante buenas y los rocanroles muy entusiastas, como nosotros. Creo que es un buen trabajo", declaró Jagger poco después en una entrevista.

Es alegría y tristeza al mismo tiempo, energía y vida. Música creíble y sincera, lo cual no es poco. Rolling Stones plenos e insaciables, aún con el diablo de su lado. Charly García, luego de la visita del grupo a la Argentina en 1995, expresó: "Más que un demonio, Mick Jagger es un agente de relaciones públicas. Y aunque a veces sienta que me engaña, le creo".

A continuación, algunas palabras sobre cada canción de "Voodoo Lounge", un disco que merece no ser olvidado.

-"Out of tears": Totalmente desgarradora. Clásica balada de Jagger, con piano. Paraíso, oasis.


-"Mean disposition": Rock and Roll. Guiño cómplice al mejor Chuck Berry. Dedicada a una mujer intratable.

-"Suck on the jugular": Funky y pervertida. Ideal para escuchar en Fiji, donde Richards cayó y calló.

-"New Faces": Poesía, oda al tiempo y a la juventud. Plagada de luz y cielo. "Lady Jane" de los noventa.

-"Love is strong": Fuerza. Aguante. De a dos.

-"The worst": Keith confesándose. Fidelidad y honestidad. El peor chico del condado.

-"Baby break it down": Sobre cuidar el amor y no dar pasos en falso. Un largo camino por recorrer.

-"Brand new car": Lujuria, éxtasis, placer. Nada que ver con los autos. Maldito blues.

-"You got me rocking": Plenitud, vigencia y madurez. Una buena sacudida. Sangre.

-"Thru & Thru": Un teléfono a punto de sonar. Constancia. Un libro abierto.

-"Sparks will fly": Incendio y orgasmo. Más sexo, fuego. Son los Stones.

-"I go wild": Locura. Desesperación. El hombre salvaje y envenenado.

-"Moon is up": A la luna. Para el sol. Se puede tener a ambos.

-"Sweethearts together": Pasión pura, el pasado no importa. Unión imposible de destrozar.

-"Blinded by rainbows": Religión y lágrimas. Acerca del dolor y la esperanza. Noches de negros sueños.

The Wailers: Canciones de libertad

El reggae, género musical surgido en Jamaica en los años '60, habla entre otras cosas sobre trascender y ser libre, o al menos intentarlo. Bob Marley, Peter Tosh, Jimmy Cliff y Bunny Livingston, algunos de los más reconocidos e importantes embajadores de este movimiento de raíces africanas, lo han dejado muy claro a través de simples y emocionantes mensajes en forma de música.

Le cantan con el corazón a los desangelados, a los más pobres y a sus constantes luchas por sobrevivir, a la injusticia social y a la defensa de los derechos humanos. A la espiritualidad y a la fe, al amor y a la paz. Respetarse a uno mismo y a los demás, de eso se trata.

Kingston, la capital jamaiquina ubicada al sureste de la isla, fue el escenario principal de la expansión del reggae como revolución artística-cultural que adoptó religiosamente cuestiones ligadas a la "Movida Rastafari", que debe su nombre a Haile Selassie, último Emperador de Etiopía. "Mira a África para la coronación de un rey negro, porque el día de la liberación se aproxima".

"The Wailing Wailers" ("Gritos de protesta") fue el primer nombre del grupo americano formado a principios de la década del '60 y que fue liderado por el profeta Robert Nesta Marley, simplemente Bob para el pueblo. Editaron su exitoso single debut, "Simmer Down", a finales de 1963, cuando Los Beatles comenzaban su reinado universal y otros, como Los Rolling Stones, Los Who y Los Kinks, empezaban a tomar forma en la lejana y blanca Gran Bretaña. Jamaica Reggae, Babilonia siempre estuvo cerca.

Uno de los fundadores del grupo, y primer cantante principal, fue Junior Braithwaite, un hombre nacido en el mismo barrio en el cual Marley viviría después. Permaneció con los demás miembros durante ocho meses, para luego partir a los Estados Unidos. Braithwaite, asesinado en 1999, fue el encargado de cantar en ese período inicial "Habits", "Straight and narrow way", "It hurts to be alone" y "Don't ever leave me", algunos de los primeros temas de la banda que mezclaba el reggae con el ska y el dub. Bob comentó más tarde: "Junior solía cantar muy alto. Ahora empiezo a darme cuenta de que sonaba como uno de los Jackson Five. Cuando nos dejó tuvimos que buscar un sonido que Bunny, Peter y yo pudiéramos manejar."

"The Wailers" contaban en su mejor momento con una impresionante sección rítmica, muy buenos arreglos vocales y brillantes músicos del calibre de Neville O´Riley Livingston y Winston Hubert McIntosh, asesinado en 1987 cuando tenía 42 años. En la fructífera pero violenta década del '70, compusieron y sacaron a la luz verdaderas obras maestras que todavía siguen retumbando hasta en los más oscuros y alejados rincones del planeta.

Influenciados por los sonidos negros de Ray Charles y Curtis Mayfield, mostraron desde sus inicios un talento poco común para la época y lograron expandir con abrumador suceso sus ideales y canciones, aunque debieron luchar contra habituales problemas cotidianos como la violencia y el odio étnico-racial. Las buenas vibraciones pudieron más. Nesta confiesa: "Es necesario entender las letras y su profundo significado. Esta es la música del tercer mundo, una bendición. Es la noticia cantada, la que no se enseña en la escuela".

"Catch a fire", "Burnin", "Natty dread", "Rastaman vibration", "Exodus" y "Survival" fueron algunas de las joyas invalorables lanzadas por el grupo a lo largo de los '70, en tanto que "Uprising", publicado en 1980, se convirtió en el último álbum con la presencia y el alma de Marley. El disco, de intenso contenido social, finalizaba con la acústica "Redemption song", otra maravillosa y honesta declaración de principios. Un canto a la esclavitud. "Todo lo que siempre he tenido son canciones de redención".

Tal vez, algunas de las virtudes de estos enormes artistas fueron saber acomodarse a su tiempo ("Los buenos tiempos de hoy son los pensamientos tristes de mañana", diría Marley), comprender el mundo que los rodeaba y al que pertenecían, y superar varios obstáculos en los que otros hubieran sucumbido antes de empezar. El reggae (deriva del término "raggamuffin"que significa roñoso o harapiento) también habla sobre despertar, ponerse de pie y no rendirse nunca. Get up, stand up, don´t give up the fight.

A fines de los años '80, la banda lanzó el primer trabajo discográfico luego de la llorada muerte de Bob Marley, quien falleció a los 36 años en un hospital de Miami, el 11 de mayo 1981. "Lo extrañamos mucho y no sabíamos qué rumbo tomar. Pero su espíritu nos hizo permanecer juntos aunque fuera realizando tributos. No teníamos discográfica y eso nos ponía las cosas muy difíciles", explicaron luego los sobrevivientes del mítico grupo, la piedra esencial para todo lo que llegó después en materia de reggae. Mística natural, soplando a través del aire.

"Las guerras seguirán mientras el color de la piel siga siendo más importante que el de los ojos"
Bob Marley

Woodstock: 40 años de rock

El festival de música y arte de Woodstock es uno de los festivales de rock más famosos de la historia. Tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado que tuviese lugar en un lugar del pueblo de Woodstock, en Ulster County; la oposición local casi cancela el evento, pero Sam Yasgur convenció a su padre Max Yasgur para acoger al concierto en los terrenos de la familia, localizados en Sullivan County.

Woodstock ha sido de los mejores festivales de música y arte de la historia. Congregó a 500.000 de espectadores, la organización esperaba 60.000, y se estima que 250.000 no pudieron llegar, la entrada costaba $8 americanos de la época para un solo día y el bono de tres días estaba a $24.



Woodstock se convirtió en el ícono de una generación de norteamericanos hastiada de las guerras y que pregonaba la paz y el amor como forma de vida y mostraban su rechazo al sistema, por lo tanto, gran parte de la gente que concurrió a dicho festival era hippie(realmente ellos no se designan así, sino que así fue como los denominaba la gente).Este festival fue un movimiento que se desarrolló en los Estados Unidos durante la década de los 60, en la cual los que concurrían llevaban melena y amuletos, las chicas faldas de colores; sus símbolos eran la bandera del arco iris, y el llamado símbolo de la paz.

>>Extraído de este artículo de la Wikipedia

La Gran Estafa del Rock and Roll

Muy pocas bandas en la historia duraron tan poco y generaron tanto descontrol como los Sex Pistols, uno de los primeros y fundamentales grupos de esa revolución cultural, musical y social conocida como punk. En los años '70, Inglaterra atravesaba una enorme crisis que amenazaba con hundir a la nación y los jóvenes se daban cuenta de que no contaban con ningún tipo de oportunidad en esa sociedad conformista, gris y sin ideas. No había trabajo, las huelgas en el país eran moneda corriente y la delincuencia crecía aceleradamente. Un panorama poco alentador y muy tedioso, hasta que surgieron ellos.

"No future for you", rugía el cantante y letrista Johnny Rotten a modo de advertencia para toda esa juventud sumergida en la más profunda miseria. Él y sus compañeros eran parte de ese grupo de londinenses marginales y marginados que vieron la chance ideal para cambiar el rumbo de las cosas y tratar de hacer algo distinto. Y lo hicieron.

La banda fue creada en 1975 por el empresario Malcolm McLaren, quien fue además el manager del conjunto que en sus orígenes contaba con Steve Jones, Paul Cook y Glen Matlock, reemplazado por Sid Vicious (nacido como Simon John Ritchie) a principios de 1977. Dicen que Matlock fue echado por los demás integrantes debido a que le gustaban Los Beatles y hablaba demasiado sobre Paul McCartney. Más adelante, Rotten atacaría sin piedad al cuarteto de Liverpool y a los Stones. "Son unos dinosaurios y están acabados", dijo sobre Jagger y Richards a fines de la década del '70.

Comenzaron haciendo covers de artistas a los cuales admiraban, como Small Faces y The Who, aunque de inmediato empezaron a escribir y a componer su propio material. Los Pistols nunca fueron unos virtuosos musicalmente hablando (de hecho ni siquiera se acercaron a eso) pero supieron transmitir a la perfección sus frustraciones y su forma de ver la vida a través de muy buenas y ácidas letras. Y mucha provocación y valor, lo cual no es poco. "Nosotros somos las flores en la basura, una gota de veneno en tu maquinaria humana” le cantaron a Su Majestad en “God Save The Queen”, una canción que forma parte de la historia grande del rock and roll y que resumía de principio a fin lo que la banda británica observaba en esos años de desesperanza y desorden institucional. "Dios salve a la Reina, ella no es un ser humano. Dios salve a la Reina y a su gobierno fascista, te convirtieron en un imbécil".

Poco después, Rotten (cuyo verdadero nombre es John Lydon) explicó: "No se escribe una canción así porque odies a los ingleses o a la Reina. La hicimos porque los amamos y estamos cansados de que nos maltraten". En esa época, Rotten se despachaba con frases como la siguiente: "El gran público ignorante no sabe porqué estamos en la banda. Estamos aburridos de toda la vieja porquería, como debería estarlo cualquier persona decente.”

El único disco que lanzaron fue "Never Mind the Bollocks", considerado por los expertos en la materia como uno de los más trascendentes e influyentes de todos los tiempos. Definitivamente y por muchas razones, son miles las bandas que le deben su existencia a los Sex Pistols. El polémico álbum, editado en octubre de 1977, causó una mezcla de furor y controversia y y dejó a más de uno con la boca abierta. No sólo por el título (puede traducirse como "Nos importa un huevo"), sino también por el extraño arte de tapa, sus sonidos y las crudas letras. Nadie había hecho algo así hasta entonces. El LP incluía canciones como "Liar", "Pretty vacant", "Holidays in the sun" y "Anarchy in the UK", otro dardo venenoso escupido por el nihilista Rotten. "Soy el anticristo, soy un anarquista. No sé lo que quiero, pero sé como conseguirlo".

A esa altura eran prohibidos en todos lados y tenían que usar nombres alternativos (The Spots, Tax Exiles, Special Guests) para conseguir lugares en los cuales poder tocar. Fueron los primeros en decir "fuck" (y otros improperios de ese estilo) en la TV inglesa cuando asistieron a un programa en vivo y en directo llamado "The Bill Grundy Show". La prensa calificó luego al episodio, que de artístico y musical no tuvo nada, como el escándalo más grande del año en toda Inglaterra. Steve Jones, en un breve reportaje, declaró: "Lo nuestro no es la música, lo nuestro es el caos". Un concejal de Londres llamado Bernard Partridge se refirió a los Sex Pistols así: "Muchas de estas bandas mejorarían enormemente con la muerte súbita. Son nauseabundos. Son la antítesis de la humanidad".

Cuando comenzaba el año 1978, Rotten abandonó la banda y anunció su disolución luego del final de una caótica gira por Estados Unidos. Los otros miembros del grupo se dedicaron a grabar en los meses posteriores algunas canciones para la película-documental de los Sex Pistols, conocida como "The Great Rock 'n' Roll Swindle". Sid Vicious no pudo superar su adicción a las drogas y a los 21 años murió como consecuencia de una sobredosis de heroína, aunque poco antes dejó registrada una versión punk-rocker de "My way", la canción escrita por Fred Brott , adaptada al inglés por Paul Anka y popularizada, entre otros, por Frank Sinatra.



Irónicamente, tal vez burlándose de ellos mismos, Rotten, Jones, Cook y Matlock volvieron a reunirse en 1996 para el "Filthy Lucre Tour" y desde ese momento realizaron varias giras ocasionales como para revivir de alguna forma aquellos tiempos inolvidables, en los que todo era válido y real. En 2006, los Sex Pistols fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, pero se negaron a ir a la ceremonia y definieron al Museo como "una verdadera mancha de pis".

"Nunca tuve puntos de vista políticos ni los tendré. Siempre me preocupé por mí y seguiré haciéndolo" Johnny Rotten